Stanislavsky APUNTES

Stanislavsky bien leído y sobre todo bien ejecutado es poderosísimo para todo actor. Mal leído y sobre todo mal ejecutado peligrosísimo

Un abrazo a todos. Seguid leyendo, estudiando, preguntando, cuestionando, no descanséis, no creáis nunca que ya no tenéis que continuar aprendiendo, analizando y explorando, porque entonces como actores... estaréis perdidos...

ACCIÓN:

- En el escenario, usted siempre debe estar representando algo; la acción, el movimiento son las bases del arte… del actor… ; aun la inmovilidad externa…, no implica pasividad. Usted puede estar sentado sin moverse y al mismo tiempo estar en plena acción.

ACCIONES FÍSICAS:

- ¿En qué está ocupada Lady Macbeth en el punto culminante de su tragedia? En el simple acto de lavar una mancha de sangre. Un pequeño acto físico adquiere un significado interno enorme: la gran lucha interior busca un escape en dicha acción externa. Al acercarse a la emoción en esa forma usted evita todo forzamiento y el resultado es natural, intuitivo y completo.

- Insinuaciones sicológicas= tono interior

- El actor no puede detenerse a pensar, a dudar, a pesar consideraciones, a prepararse y probarse a sí mismo. Debe actuar, debe salvar la valla a golpe tendido.

ACTITUD DE AFICIONADO:

- El peor enemigo del progreso son los prejuicios; ellos lo retardan, obstruyen su camino. En nuestro arte, un ejemplo de prejuicios es la opinión que defienden una actitud de aficionado de un actor hacia su trabajo. No se puede hacer arte sin virtuosismo, sin práctica, sin técnica y mientras mayor sea el talento, más se necesitan aquellos.

- Un actor crece mientras trabaja.

ACTOR EN EL CINE:

- Deben ser alimentados con un repertorio de los grandes (Shakespeare, Mogol, Chejov) y no solo con guiones cinematográficos ordinarios.

ACTOR EN EL TEATRO:

- El Teatro existe, por encima de todo, por el actor y sin él no puede existir.

ACTUACIÓN SINCERA:

-No siempre puede uno actuar de forma subconsciente y con inspiración. Un genio tal no existe en el mundo. Nuestro arte nos enseña antes que nada a crear consciente y sinceramente, porque eso preparará mejor el camino para el florecimiento del subconsciente, que es la inspiración.

- El trabajo de un actor no es crear sentimientos, sino sólo producir las circunstancias dadas en las cuales serán engendradas emociones .

ANALISIS:

- El análisis anatomiza, examina, estudia formas, reconoce, rechaza, confirma; descubre la dirección básica y a través de un papel y una obra, encuentra el superobjetivo y la línea general de acción. Éste es el material con que alimenta la imaginación, sentimientos, pensamientos y voluntad.

- El análisis no es únicamente un proceso intelectual. Intervienen en él muchos otros elementos, todas las capacidades y cualidades de la naturaleza de un actor… El análisis es un medio de llegar a saber, es decir, de sentir una obra… De modo que, en el proceso del análisis, uno debe usar la mente con la mayor precaución.

- Tome una presa más firme de las acciones físicas. Así usted es alejado de la vida de su subconsciente.

- Recontar el contenido de la obra, hacer una lista de hechos y eventos y circunstancias dadas propuestos por el autor. Dividirla en partes, disecarla, y dividirla en niveles, pensar en preguntas y proporcionar las respuestas , organizar discusiones generales, argumentos, y debates, pesar y estimar todos los hechos, encontrar nombres para unidades y objetivos. Todo esto es parte del proceso aislado del análisis.

AQUÍ Y AHORA:

- Es extremadamente importante para el estado creativo de un actor, que sienta lo que llamamos “yo soy”. Yo existo aquí y ahora, como parte de la vida de una obra, en el escenario. Para ayudar a un actor a encontrarse a sí mismo en su papel y el papel en sí mismo, déjelo contestar con sinceridad la pregunta: ¿Qué haría yo aquí y en este momento, si tuviera que actuar en la vida real bajo circunstancias análogas a aquellas en las cuales está establecido mi papel?

CIRCUNSTANCIAS DADAS:

- Esta expresión significa… la historia de la obra, los hechos, eventos, época, tiempo y lugar de la acción, condiciones de vida, la interpretación de los actores y del director, la puesta en escena, la producción, la escenografía, la utilería, el vestuario, los efectos de luces y de sonido… todas las circunstancias que son dadas a un actor para ser tomadas en cuenta, al crear su papel.

¿CUÁL ES MI SISTEMA?:

- Un actor tiene que estar:

a) libre físicamente, en control de sus músculos libres

b) su atención debe estar infinitamente alerta

c) debe poder escuchar y observar en la escena como lo haría en la vida real, es decir estar en contacto con la persona que actúa frente a él.

d) debe creer en todo lo que suceda en el escenario, que esté relacionado con la obra.

- Usted como actor póngase antes que nada en las circunstancias dadas por el autor para el personaje que usted está interpretando. Pregúntese: ¿qué haría si me sucediera lo mismo que sucede en la obra al personaje que estoy interpretando.

ENSAYO:

- Un actor debe practicar constantemente para alcanzar una verdadera disposición creadora en todas ocasiones, ya sea que esté ensayando, representando o trabajando en casa.

ÉTICA EN EL TEATRO:

- Ama el arte en ti mismo y no a ti mismo en el arte.

MATERIAL PARA LA FACULTAD CREADORA:

- Usted debe estar aumentando en forma constante su caudal. Usted succiona para este propósito, de sus propias impresiones, sentimientos y experiencias. También adquiere material de la vida que lo rodea, real e imaginaria, de recuerdos, libros, arte, ciencia, conocimientos de todas clases, de viajes, museos y sobre todo, de comunicaciones con otros seres humanos.

Se nos pide que interpretemos la vida de almas humanas de todo el mundo. Un actor crea no únicamente la vida de su época, sino también la del pasado y del futuro. Por eso necesita observar, experimentar, conjeturar, dejarse llevar por la emoción. Si su creación es interpretar el pasado, el futuro o una época imaginaria, tiene que reconstruir o recrear algo salido de su imaginación.

La experiencia interna de un actor, el círculo de sus impresiones y emociones vivas, debe ser aumentado todo el tiempo, ciertamente, porque es sólo bajo tales condiciones cómo un actor puede extender el círculo de su propia facultad creadora.

MISE EN SCENE:

- El trabajo creativo del director debe proceder en unísono con el de los actores y no adelantarse ni retrasarse a ellos. Debe facilitar la facultad creadora de los actores, supervisarlo e integrarlo, teniendo cuidado de que evolucione naturalmente y sólo a partir de la verdadera médula artística de la obra. Este trabajo colectivo del director y de los actores, esta búsqueda de la médula esencial de las obras empieza con el análisis y prosigue por la línea de acción general.

NATURALISMO:

- Los que piensan que buscamos naturalismo en escena se equivocan. Buscamos verdad interna, la verdad del sentimiento y la experiencia

OBJETIVOS:

- La vida, los personas, las circunstancias, oponen barreras constantemente. Cada una de estas barreras nos presenta el objetivo de salvarla. La división de una obra en unidades para estudiar su estructura, tiene un propósito. Hay otra razón, interior, mucho más importante. En el corazón de cada unidad, reside un objetivo creativo.

PAUSAS EN LOS PARLAMNTOS:

- El primer trabajo que debe hacerse en los parlamentos o con las palabras, es siempre dividirlos en medidas, colocar las pausas. La pausa lógica da forma mecánicamente a las medidas, a frases completas del texto y en esa forma, contribuye a la inteligibilidad; la pausa sicológica agrega vida a los pensamientos. Es un silencio elocuente. Ella ayuda a comunicar el contenido subtextual de las palabras.

REALISMO:

- La verdad en el escenario debe ser real, pero poetizada a través de la imaginación creativa

- En el escenario no debe haber, bajo ninguna circunstancia, una acción dirigida inmediatamente a la excitación de sentimientos por los sentimientos mismos. Nunca busque estar celoso, enamorar o sufrir nada más por hacerlo. Todos estos sentimientos son el resultado de algo que ha pasado antes.

- Es necesario que el actor desarrolle hasta el grado más alto su imaginación, una simplicidad infantil, una sensibilidad artística a la verdad en su alma y en su cuerpo.

SUBTEXTO:

- En el momento de la representación, el texto es proporcionado por el autor y el subtexto por el actor. Si no fuera ese el caso, la gente no asistiría al teatro, sino que permanecería en casa y leería la obra. Nos olvidamos que la obra escrita no es un trabajo terminado, hasta que es interpretada en el escenario por actores y traído a la vida por emociones humanas genuinas.

- Para un actor, las palabras no son meros sonidos, son imágenes visuales. La mejor forma de evitar la actuación mecánica, la recitación mecánica del texto de un papel es comunicar a otros lo que usted ve en la pantalla de su visión interna.